Новости и события в культурной жизни

В Москве в павильоне «Рабочий и колхозница» открылась самая полная выставка работ знаменитого на весь мир русского авангардиста Каземира Малевича. Она называется «Малевич: не только «Черный квадрат». Эта картина, настоящая веха в истории живописи, о которой спорят до сих пор, на выставке не представлена, зато есть редчайшие работы из музеев и частных коллекций, которые еще не выставлялись. Например, архитектурные модели – та же абстрактная живопись, но, как сказали бы сейчас, в формате 3D. Или портрет жены Малевича, который она хранила всю жизнь. Авторы экспозиции говорят, что художник раскрывается с непривычной стороны.
«Художникам традиционного склада всегда приятно говорить о том, что после абстракции этой геометрической, стерильной живописи, он все-таки вернулся к реалистической живописи. Это не совсем точно. Он вернулся к реалистичной живописи, но это было на совершенно другом концептуальном уровне. Он исследовал, анализировал, как ученый и как исследователь, языки Ренуара, Моне, Писарро – импрессионистов. И в то же время, он писал картины, используя их приемы. То есть, это такой диалог был, и вербальный, и пластический. И это чисто концептуальное искусство, а не такой реализм», – рассказывает куратор выставки, доктор искусствоведения Александра Шатских.
Обещают, что посетителей ждет немало подобных открытий. Так Казимир Малевич представлен на выставке еще и как философ и поэт.

Винсент Виллем ван Гог — нидерландский художник-постимпрессионист, чьи работы оказали вневременное влияние на живопись XX века. За десять с небольшим лет он создал более 2100 произведений, включая около 860 картин маслом. Среди них — портреты, автопортреты, пейзажи и натюрморты, с изображением оливковых деревьев, кипарисов, полей пшеницы и подсолнухов. Большинство критиков не замечало ван Гога до его самоубийства в возрасте 37 лет, которому предшествовали годы тревог, нищеты и расстройств рассудка. Напомним, в ноябре прошлого года картину Ван Гога «Вспаханное поле и пахарь» 1889 года продали на аукционе в Нью-Йорке за $81,3 млн.

Так, Смитсоновский музей передал чете Кеннеди картину Эжена Делакруа «Курильщик», а Барак Обама и его жена Мишель украсили стены своих личных апартаментов в Белом доме произведениями современных художников, в том числе знаменитых абстракционистов - Марка Ротко и Джаспера Джонса. BBC News упоминает также работы Эда Руши и Сьюзен Ротенберг, живопись афроамериканских художников Гленна Лигона и Альмы Томас,также во время Обамы там появились бронзовые скульптуры Дега, натюрморты Джорджо Моранди, живопись Джорджа Кетлина, художника XIX века, писавшего картины из жизни североамериканских индейцев.Барак ( всего 47 произведений искусства)

Художник Маурицио Каттелан вернулся в искусство после пятилетнего дауншифтинга с новой работой «Америка». Это унитаз из 18-каратного золота, посвященный Дональду Трампу. Использовать унитаз по прямому назначению может каждый желающий, посетивший общую, и для мужчин, и для женщин, туалетную комнату на пятом этаже в музее Гуггенхайма в Нью-Йорке. Доступность работы посетителям — часть концепции автора.
Унитаз моментально стал самым популярным экспонатом в музее: ежедневно к нему выстраиваются огромные очереди. Кто-то оставляет след в истории искусства, а кому-то достаточно фото в Инстаграм.
Идея создать унитаз для Трампа появилась у Каттелана в 2015 году, как только художник услышал о его президентских амбициях По словам критиков, работа художника Маурицио Каттелана «Америка» является сатирой на избыток богатства в США. А сам Каттелан посоветовал публике воспринимать золотой унитаз как шутку. «Хотя это совсем не шутка, — отметил художник в своём интервью журналистам.

Вспаханную землю слегка прикрыл снежок. Одинокий путник с собакой бредёт по полю.

Покинув зимний Париж в 1888 году, Ван Гог переехал в солнечный Арль. Но сойдя с поезда, он очутился в царстве снега, по крайней мере так он это почувствовал, ведь он не был привычен к обильным снегопадам и огромным сугробам. Правда, надо сказать, что в это время в Арле действительно стояла необычная для тех мест морозная погода. Но вскоре наступила оттепель и большая часть снега растаяла. Художник поспешил запечатлеть то, что оставалось от снега на полях.

Для Антона Успенского важны, прежде всего, живописные задачи. В центре его внимания- сам город, его характер, который возможно выразить в колористических решениях. Урбанистический ландшафт для Успенского в первую очередь - прекрасный объект любования. Его постоянная и самая любимая натура- Петербург. Пейзажи точно фиксируют сложное состояние неба, среды. Особенно им любим тот трудноуловимый миг, когда в синеющем небе зажигаются фонари («Лебяжья канавка», 2016). Живописные образы Успенского - романтически приподнятые, праздничные; энергичная живопись строит метафору жизни мегаполиса («Белая ночь. Симеоновский мост», 2017).
Ольга Конорова рассматривает город сквозь призму человеческого бытия. Ее пейзажи в большей степени опосредованны, искренность в них соседствует с элементами игры, по-детски наивный рисунок - со сложной живописью. Художника занимает бытие города во времени, свидетельства обживания, очеловечивания районов массовой застройки, изначально воспринимавшихся как нечто безликое и скучное. С течением лет они стали привычным ландшафтом, покрылись трещинами и граффити, обросли свидетельствами быта, обрели свою неповторимую физиономию («Дом №1», 2010). Зрителю предоставляется возможность домыслить их историю, «прописать» в них своих персонажей. Образы города Коноровой то щемяще-беззащитные и трогательные, то монументализированные («Наблюдение за облаками», 2008). При этом они сохраняют таинственность, воспоминание о странности явления урбанистических объектов в природном ландшафте. Несмотря на яркость передачи жизненных впечатлений, ее образы живут в диалоге с историей искусства, перекликаются то с Климтом, то с метафизическим пейзажем де Кирико, то с Магриттом («Прятки», 2012)…
Сам творческий дуэт Коноровой-Успенского выглядит неожиданно. Антон Михайлович Успенский- не только живописец и график (кстати, только что завершилась его персональная выставка в Белгороде). Он известный искусствовед, арт-критик, куратор, исследователь искусства ХХ-XXI вв., ведущий научный сотрудник отдела новейших течений Русского музея (Санкт-Петербург). Ольга Конорова- художник-практик - живописец, график, дизайнер. Их объединяют не только дружеские отношения, но общие корни- оба начинали свой путь в искусстве в Рязанском художественном училище, более того, в юности Ольге Коноровой довелось быть ученицей Антона Успенского. Оба много путешествуют, широко и свободно реализуют себя в различных творческих сферах. Выставка «Пейзаж по правилам и без» - их творческий эксперимент. Возможно, он станет началом нового этапа в творчестве каждого из художников. Экспозиция представляет интерес как для ценителей качественной живописи, так и для аудитории, интересующейся вопросами современного искусства.
2 марта в 15.00 перед открытием выставки состоится творческая встреча с А.М.Успенским, посвященная современным художественным процессам «Современное искусство: не страшно, не скучно, не обидно». Приглашаются все заинтересованные.

Сведения об авторах:

Антон Успенский — историк искусства, критик, куратор, литератор, художник.
В 1989 г. окончил Рязанское художественное, в 1995 – факультет истории и теории искусств Санкт-Петербургского института живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина Академии художеств. В 2002 г. защитил кандидатскую диссертацию на тему «Живописная система Роберта Фалька. Формирование и эволюция». С 2004 г. работает в Государственном Русском музее, ведущий научный сотрудник отдела Новейших течений. Автор около 200 публикаций, в т. ч. книги «Между авангардом и соцреализмом. Из истории советской живописи 1920–1930-х годов» (2011). В 2006 г. вступил в Союз Художников России. С 1987 г. участвовал более чем в 70 выставках, из них 9 персональных.

Ольга Конорова – художник. Специализация: живопись, графика, роспись по коже.
В 1994–1999 гг.- учёба в Рязанском Художественном Училище (которому позже было присвоено имя Г. К. Вагнера). В 2005г. окончила Московский Университет Сервиса (Институт дизайна и прикладного искусства) по специальности дизайн. С 2002 г. — член молодежной секции Международного Союза Дизайнеров. С 2010 г. — член Творческого Союза Профессиональных Художников. Участник более 50 выставок, в т. ч.: персональная выставка в выставочном зале «Ходынка» (Москва, 2004); выставка «Сновидческие сюжеты» (Катманду, Непал, 2010); «Прекрасные лица» - персональная выставка (Москва, Музее Востока, 2015).

Скульптура Харитонова узнаваема при несомненной включенности в контекст мирового искусства ХХ века. Минуя стереотипы и не стремясь к общепринятой «приятности для глаза», Харитонов добивается силы художественного высказывания. Его работы говорят о мучительных поисках- не только художественных, но и философских, касающихся отношений между людьми, сути жизни, движении времени. Потому родные для него образы- мятущиеся, противоборствующие, ищущие. Среди его излюбленных персонажей- Бетховен, Сократ, Достоевский.

В ранних работах Харитонова напряженная форма, кажется, взрывается динамичными ритмами. В его даже небольших произведениях клокочет жизнь, но это бытие не благостное, но драматическое, раздираемое противоречиями («Диоген», «Пегас»). Неслучайно еще один его любимый образ- поверженный кентавр- существо могучее, опасное и страдающее. Приемы, апеллирующие к кубизму и экспрессионизму, сменяются подвижной свободной лепкой портретов, поисками опоры в традиционной африканской и египетской пластике, исследованиями декоративных возможностей металла, глины. Сдержанные, минималистические, безошибочно выверенные однофигурные композиции выполнены в символическом ключе («Мыслитель», «Смирение»). Какую бы стилистику мастер не избирал, для него была важна энергетика формы, сила воздействия на зрителя. Его ориентирами в искусстве были скульпторы-«тяжеловесы»: Барлах и Королев, Бурдель и Неизвестный.

Роберт Харитонов- неординарное явление на волгоградской художественной арене 1970-1980-х гг. Артистичный, эффектный, интеллектуальный, независимый в каждом своем жесте, - он остался незабываемой и единственной в своем роде фигурой. Говоря о его творчестве, мы вспоминаем период насыщенной, разнообразной жизни нашего союза художников, украшением которого была скульптурная секция, признаваемая самой сильной в Поволжье. Его соратниками по скульптурному цеху были очень разные и талантливые мастера: Н. Павловская, М. Павловский, П. Малков, В. Фетисов, А. Голованов, О. Дедов, В. Рухлин, В. Понамарев, Ю. Юшин, А. Тамаров, А. Ковальчук, В. Безруков, А. Криволапов. Своя насыщенная, интересная жизнь была в то время у молодого поколения художников, тесно общавшихся с архитекторами, музыкантами, искусствоведами. Харитонов был дружен с такими же молодыми А.Шумилиным и П.Чаплыгиным, Г.Вяткиным и П.Зверховским, А.Бровко и И.Лепнуховым, А.Бровко и В.Тихоновым, А.Мамонтовым и Ю.Юшиным.

Художественные решения Роберта Харитонова часто воспринимались как неожиданные, порой коробящие, но всегда искренние. Харитонов- мастер, стоящий на романтической позиции, горячий, страстный. Все его пластические высказывания- от первого лица, они точно воспроизводят его интонацию, его боль, радость и горечь. В состав выставки войдет и композиция «Камни забвения», вызвавшая особый интерес партийных кураторов в момент своего первого показа на выставке молодых художников в 1977 г. Обкатанные камни с полустертыми человеческими лицами- сильная и емкая метафора жизни, времени, истории, которые перемалывают, обтесывают индивидуальность, избавляясь от всего выдающегося.

Последние 14 из своих 57 лет он прожил в Москве, но лучшие его работы были созданы в Волгограде. К несомненным удачам можно отнести композиции, посвященные памяти о Великой Отечественной: «Пьета», «Сталинград», «Встреча», «Прощание», «Ожидание». Младенцем со своей семьей Роберт приехал в предвоенный Сталинград и разделил трагедию мирного населения, остававшегося в городе во время битвы. Роберт начал рисовать и лепить в сталинградском Доме пионеров, в изостудии легендарного художника- педагога Григория Леонтьевича Руднева. Патриотизм Харитонова был глубоким, страстным. Потому после окончания Строгановского училища он вернулся в 1970 г. в Волгоград и искренне хотел посвятить свое творчество подвигу Сталинграда. Размах, драматизм композиционно-пластических решений, словно предназначенный для героических тем, грандиозных проектов, казалось, с трудом оказался втиснут в рамки станковых произведений. В судьбе монументалиста не все зависит от качеств самого художника. Случилось так, что единственный раз- в памятнике Паникахе- талант Харитонова получил возможность зазвучать в полный голос. Оттого при взгляде на его творческий путь остается впечатление недосказанности, неполной реализации, короткой судьбы.

Харитонов выполнял работы Художественном фонде, сотрудничал с керамическим заводом, заводом «Сувенир». В ожидании монументальных заказов, он искал поле для экспериментов в малой пластике, рельефе, искусстве медали. Здесь нашли отражение его пристрастия, увлечения литературой, музыкой, философией, спортом («Эдгар Алан По», «Марк Твен», «Хоккей»). Творческая и человеческая неординарность мастера запечатлены не только в произведениях, но и в его фотографиях, воспоминаниях, https://www.sxn.io/cat/images/none.gifкоторыми его семья и друзья щедро поделились при организации выставки «Камни забвения».

Посетители выставки познакомятся с работами раннего лейденского периода творчества Рембрандта из серии аллегорий чувств: "Извлечение камня глупости (Аллегория осязания)", "Три музыканта (Аллегория слуха)" и недавняя находка - "Пациент, упавший в обморок (Аллегория обоняния)". Зрелый период творчества Рембрандта, связанный с длительной и плодотворной работой в Амстердаме, представлен "Портретом мужчины в красном дублете", "Девушкой в расшитой золотом накидке", "Автопортретом с затененными глазами".

На выставке также покажут картину "Девушка за верджинелом" Яна Вермеера Делфтского, работы которого встречаются крайне редко. Это произведение - единственная работа зрелого периода творчества мастера, которая до сих пор находится в частной коллекции. В мире известно всего 36 произведений художника, творения мастера не представлены в собраниях российских музеев. Эта поздняя картина предположительно написана на холсте из того же рулона, что и другая работа Вермеера - "Кружевница", представленная в постоянной экспозиции Лувра.©

"Голландский золотой век был одним из наиболее выдающихся периодов в истории искусства, поскольку он был не только плодотворным, но и невероятно художественным и изобретательным. Лейденская коллекция является своего рода окном в это время, и она не имеет аналогов", - сказала на пресс-показе куратор Лейденской коллекции Лара Ягер-Красселт.

Лейденская коллекция, основанная в 2003 году американцами Томасом Капланом и его супругой Дафной Реканати-Каплан, включает около 250 живописных и графических работ. Она впервые была показана миру в 2017 году в Лувре, а затем отправилась в мировое турне. Выставки с успехом прошли в Национальном музее в Пекине, Лонг-музее в Шанхае. После ГМИИ им. А. С. Пушкина коллекция будет представлена в Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге и в Лувре в Абу-Даби (художественный музей, открывшийся в 2017 году.©

Это поясной портрет молодой женщины, сидящей в коляске.

Дама одета по последнему слову моды 1880-х годов: бархатный берет, в то время такие береты называли «Франциск», напоминающий головной убор на картине аристократов 16 века — та же форма, то же страусовое перо прикрепляется золотым аграфом с жемчугом.

Тяжелый узел тёмных волос на шее. Пальто, по ассоциации с генеральской шинелью, называется «Скобелев», явно дорого сукна,
отделано собольим мехом и шелковыми тёмно- синими лентами.

Так же отделана муфта, что тогда было модно, соболем и тёмно- синими шелковыми лентами. На руках в тон общему одеянию – тёмно-синие лайковые «шведские» перчатки и на левой руке массивный золотой браслет.

При анализе этой работы критики часто приписывают женщине свойства «Дамы с камелиями», утверждая, что здесь изображена некая дама полусвета, дорогая содержанка или может быть актриса, пользующаяся покровительством. Мотивируется это тем, что дама вызывающе модно и дорого одета.

В то время дворянство, переживая экономический кризис, не имело возможности так одеваться, и вообще точное следование моде было свойством «нуворишей», людей пришедших в высший свет благодаря деньгам, а не происхождению.©