Новости и события в культурной жизни

Эту работу главного флорентийского мастера XVII века Франческо Фурини, которого нет в собрании музея, Пушкинский мечтает заполучить в свою коллекцию. Сейчас полотно находится на временном хранении. Идёт сбор средств. В музее верят, что покупка шедевров на народные деньги – не такая уж фантастическая цель.

«Традиция меценатства в Москве была очень сильна, и этим жил Румянцевский музей, который не имел средств. Одна картина за всю историю была приобретена, и она находится у нас, а остальное - это пожертвования городу, Родине, будущим поколениям», - пояснила заместитель директора ГМИИ им. Пушкина Виктория Маркова.

О большом желании Пушкинского заполучить в собрание вот эту работу Тициана «Венера и Адонис» знает, кажется, всё мировое профессиональное сообщество, тем более, что авторство в прошлом году было установлено ведущим специалистом музея в области итальянского искусства Викторией Марковой. В музее проделали большую работу, чтобы привлечь внимание публики к этому шедевру и к акции по сбору средств на её покупку – лекции, семинары, научные статьи, специальные экскурсии и широкое освещение в СМИ.

«Общество должно понимать, как много оно может сделать, чтобы коллекции обогащались. Они чувствуют себя вовлеченно, и чувствуют себя частью истории. И когда-то они будут показывать вещи, которые приобрелись, в том числе, и на их деньги, и чувствовать себя важным человеком внутри истории не только музея, но и культурного опыта, который и является историей страны», - отметила директор ГМИИ им. Пушкина Марина Лошак.

Сейчас в музее хотят приобрести 270 предметов, и деньги на многие из них намерены собрать с народной помощью . Среди самых ценных потенциальных экспонатов - вот эти медали современного скульптора и художницы Джейн МакАдам Фрейд, правнучки основателя психоанализа Зигмунда Фрейда и дочки художника, мастера психологического портрета Люсьена Фрейда. Если деньги найдутся, внушительная нумизматическая коллекция Пушкинского пополнится работами одного из важнейших современных авторов.

«Своеобразное очень видение медальонного искусства. Она, во-первых, вбирает все классические основы в себя, и в то же время, очень индивидуальный подход во всём определённо присутствует», - рассказала старший научный сотрудник отдела нумизматики ГМИИ им. Пушкина Юлия Краснобаева.

Среди других ценных предметов - коллекция шлемов, малых скульптур и перстней Древней Греции, литографии Марка Шагала, скульптура танцующей индийской полубогини Апсары.

«Перед нами древнеегипетский магический жезл, сделанный из слоновой кости с резными изображениями. Очень редкая вещь! Обычно такие предметы поцарапаны, а тут мы видим рельеф», - заметила заведующая отделом Древнего Востока ГМИИ им. Пушкина Ольга Васильева.

Для музея этот жезл станет важной частью коллекции, и не потому, что он охраняет от бед и злых духов, а потому что в мире таких редких и ценных экспонатов около десяти.

Собрать на жезл осталось половину суммы. Посетители Пушкинского проявляют активность - уже 237 человек приняли участие в акции, и пусть пожертвования не большие – от 100 до 5000 рублей - тем не менее, это весомый вклад в развитие любимого музея.©

Афиши, рекламные плакаты, открытки как приметы времени. 1914 год. Этот агитплакат выпущен объединением «Сегодняшний лубок». Художник - Казимир Малевич, автор сатирических строк под картинками - Владимир Маяковский. Рядом плакаты Васнецова, и тоже 1914 год. Тематика тех лет - война, фронт, помощь армии.

«Реклама отражала жизнь, говорят, при соцализме не было реклама. Вот эпоха кукурузы, эпоха покорения космоса, эпоха насыщения товарами ширпотреба. Реклама, как отражение зеркала, показывала, что происходит в жизни страны», - рассказывает куратор выставки, профессор Владимир Евстафьев.

Один из разделов выставки посвящен этикеткам XIX - начала XX века. В борьбе за потребителя производители уделяли особое внимание оформлению. Рекламой занимались многие знаменитые художники. Среди них - Михаил Врубель. Шоколадные обертки, наклейки для сыра, спичечные коробки становились предметами коллекционирования.

«Уникальный стенд в увеличенном формате, фантики для шоколадных конфет, все знают, что Родченко и Маяковский получили награду на Всемирной выставке в Париже в 24-м году. Все думают, это за «Окна роста», нет, никто не награждал их за борьбу с империализмом, в Париже их наградили за новую идею, они придумали тематические наборы шоколадных конфет, текст писал Маяковский, рисунки делал Родченко», - объясняет Владимир Евстафьев.

В этой экспозиции и работы современных авторов. Плакат Александра Логвина, символизирующий девяностые годы ХХ века, выполнен в уникальной технике – черной икрой по красной. Находится в собрании Третьяковской галереи, а также опубликован в альбоме «Русский плакат. 100 шедевров за 100 лет». Организаторы надеются, что эта выставка - первый шаг к созданию музея рекламы.©

Эта история любви длиною в жизнь, написанная на холстах. Сильные чувства Пабло Пикассо к Ольге Хохловой погасли спустя пару лет после свадьбы, сменились ненавистью, а затем равнодушием. Все переживания художника отразились в картинах. Ольга Хохлова родилась в семье военного в украинском городе Нежин. Увидев во Франции балетный спектакль, загорелась стать танцовщицей. Занималась с экс-солисткой Мариинского театра Евгенией Соколовой. И поступила в труппу «Русских балетов» Сергея Дягилева. В Музее имени Бахрушина сохранился редкий снимок Хохловой с артистками.

«Несмотря на то, что у нее не было фундаментального образования, все-таки нашлось для нее вполне неплохое место. Где-то она была между кордебалетом и солистками», - рассказала ученый секретарь Центрального театрального музея им. Бахрушина Ирина Гамула.

Художник впервые увидел Хохлову в балете «Девушки в радостном настроении». А был сражен в Риме в 1917 году во время создания декораций для балета «Парад».

«Она не блистала ни талантами, ни красотой особенной, если посмотрим на все картины, на которых он ее изображал потом, у нее плотно сжатые губы, глаза, которые смотрят сквозь человека куда-то вдаль. Это, конечно, взгляд самого Пикассо на нее, он в этом видел загадочность русской души», - добавила Гамула.

Художник упивался красотой своей 26-летней возлюбленной. Хохлова была не похожа ни на одну из женщин Пикассо - не натурщица, не легкого поведения - девушка из приличной семьи. Художника не остановило даже предупреждение Дягилева: «Осторожно, на русских надо жениться». Обвенчались через год после знакомства.

«Идеал красоты для Пабло, и она все время с ним. Он пишет ее безостановочно, и на больших портретах, и на камерных маленьких зарисовках», - отметил куратор выставки Алексей Петухов.

Ольга Хохлова хотела, как она говорила, «узнавать свое лицо на портретах». Теперь о традиционных семейных ценностях художник рассказывал языком классического искусства. Семья поменяла декорации жизни Пикассо. Теперь богемный художник, познавший нищету, - организатор светских приемов, шьет костюмы у дорогих портных. В 1921 году он впервые становится отцом. Это событие переживает особенно. Семейная идиллия продлилась до середины 20-х. Вскоре у художника появляются новые любовные увлечения. А образ супруги в работах пугающе меняется и становится все более абстрактным.

«Этот образец позднего этапа творчества, здесь яркие, кричащие цвета. Мы можем узнать Ольгу, она сидит в кресле, нога в пуанте, как напоминания о том, что Ольга была балериной», - подчеркнула куратор Эмилия Филиппо.

Пикассо и Хохлова прожили вместе почти 18 лет. Ольга до конца дней не переставала писать Пабло письма, посылать коллажи с семейными фотографиями. Ольга Хохлова умерла от рака в 55-м. На похороны Пикассо не приехал - писал новую картину. «Она слишком много от меня хотела»,- вспоминал впоследствии художник.

20-е годы прошлого века стали переломными для Пабло Пикассо. Жизнь художника, которого в мире искусства называли анархистом, кардинально изменилась. От смелых экспериментов в кубизме он переходит к традиционным формам. Начался неоклассический период в его творчестве. Но главная трансформация – то, что страстный испанец, известный своими любовными похождениями, остепенился. Женился на русской балерине, купил дом, стал отцом. Внешне: идеальная, красивая, благополучная картинка, но этот брак был обречен с самого начала.

«Это были сложные отношения, но жизнь с Пикассо и не сулила лёгких отношений, Он жил искусством, и его подлинной женой всегда было искусство», - рассказала директор ГМИИ имени Пушкина Марина Лошак.

Они познакомились в 1917 году, в Риме, во время работы над балетом «Парад» Жана Кокто и Эрика Сати в рамках Дягилевских антреприз. Бурный роман художника с русской красавицей, которую он нежно называл «Моя Хохлова», горячо обсуждали в обществе. Их брак год спустя стал одним из главных светских событий. Но историю этой любви назовут одной из самых драматичных, а чувства Хохловой к Пикассо – невротическими и больными. Уже в первых письмах она пишет, что любит его сильнее, и что он никогда не будет способен полюбить её с такой же отдачей.

«Странное признание, которое делает партнёров в браке неравными и ставит одного в положение вечной жертвы. И в роли жертвы он прожила всю жизнь», - отметил куратор выставки Алексей Петухов.

Эта выставка – своеобразный ремейк экспозиции, которая в прошлом году с большим успехом прошла в парижском музее Пикассо. Российскую версию значительно расширили и дополнили. Спонсором выступил банк ВТБ.

«Когда мы увидели планы музея на 19-й год, у нас не было ни тени сомнения, что мы выступим спонсором этой выставки. Мы не один год сотрудничаем с музеем, и это систематическое сотрудничество», - поделился вице-президент банка ВТБ Александр Ерофеев.

Внешне жизнь Хохловой напоминала сказку - в одно мгновение русская эмигрантка, безвестная артистка кордебалета стала музой гения, одной из главных героинь светского мира.

Почти на всех портретах 20-х годов Ольга Хохлова печальна. Это не образ, её истинные чувства. Она сильно переживала за свою семью, которая осталась в России, испытывала чувство вины, что живёт благополучной сытой жизнью. Через 10 лет Хохлова снова впадает в жуткую меланхолию. Причина иная – её брак с Пикассо трещит по швам.

Свою любовницу, 17-летнюю француженку Марию-Терезу Вальтер, Пикассо встретил в 27-м. Узнав о систематических изменах мужа и внебрачном ребенке, Хохлова резко изменилась - истерики и скандалы стали привычными в их доме.

Куратор выставки, внук Пабло Пикассо, Бернар Руиз Пикассо, считает, что такой финал был неизбежен.

«Чтобы двигаться вперёд и открывать что-то новое, ему требовались новые источники вдохновения. Это оказалось сильнее любых традиционных ценностей, в том числе, и семейных», - заключил куратор выставки, внук Пикассо Бернар Руиз Пикассо.

«Она слишком многого от меня хотела», - так позже Пикассо охарактеризует этот брак. К слову, официальными супругами они оставались до смерти Хохловой в 55-м году. На развод не соглашался сам художник, и вовсе не потому что они были венчаны. Он не хотел отдавать половину имущества, а она до конца жизни любила только его и верила в то, что этот брак был заключён на небесах.©

«Что такое почетный знак ордена? А где орден? Ордена не было - только почетный знак самого ордена», - говорит Михаил Шемякин.

Михаил Шемякин, с гордостью показав врученную накануне «корочку» от Российской Академии художеств, пригласил журналистов на экскурсию, которая растянулась на час -- желающих послушать о ключевых этапах в творчестве из первых уст оказалось много. Художник не часто бывает в столице, сетует, что в Москве его выставляют редко.

«Это, по-моему, первая моя выставка за 25 лет в Москве. Правда госпожа Антонова выставляла мою графику, но это маленькие линии к моему творчеству, а вот выставки серьезной -- такого не было лет 25», - рассказал художник.

Сделать экспозицию, посвященную Шемякину, пригласили художника Алексея Трегубова. Он выступил и куратором, и архитектором выставки. Работал над ней целый год. Концепция родилась после визита во Францию, когда Трегубов побывал в загородном доме художника. Он увидел это пространство как огромную творческую лабораторию.

«Мне захотелось показать Михаила не такого, каким мы его знаем, а который пульсирует, живет, творит, все время переходит свои барьеры и выходит за пределы своих возможностей. Это стало основной мыслью», - объясняет куратор выставки Алексей Трегубов.
Экспозиция напоминает мастерскую, зрители могут увидеть не только ключевые произведения, но и то, как они создавались - на выставке собраны эскизы, наброски, макеты. Большой раздел посвящен «Гофманиаде», недавно вышедший в прокат. Шемякин был главным художником мультфильма. Включены и портреты мастера. Это – физик Николай Перфилов, один из создателей атомной бомбы, ставший первым коллекционером работ Шемякина.

«Он пришел на выставку, два часа на ней провел с мрачным выражением лица. Он попросил мой телефон и говорит - я профессор атомной физики, я был на вашей выставке и мне очень не нравятся ваши работы, и поэтому я решил купить ваши работы. Я хочу понять, почему они мне не нравятся, через месяц он позвонил, сказал, что меня понял», - вспоминает Михаил Шемякин.

На выставке собраны и работы учеников Шемякина - художник ведёт свой курс в Академии Штиглица. Здесь же и разработанные авторские технологии - например, вот этот конструктор помогает освоить основы цветовой композиции. Шемякин не устаёт придумывать и изобретать, постоянно изучает что-то новое. К этому призывает и своих студентов - даже повесил в классе баннер с призывом Ленина: Учиться, учиться и учиться.©

У этой истории есть, однако много неясностей, например, где находилось полотно между 1922 и 1972 годами? Каким образом ростовский «Самовар» оказался на аукционе Сотбис в Лондоне? Российская сторона выдвинула несколько неподтвержденных гипотез. По словам Андрея Сарабьянова, директора Центра авангарда в Еврейском музее в Москве, объяснения нужно искать в хаосе, царившем в художественных организациях после революции. В начале 1920-х годов сотни произведений русского авангарда были переданы молодым советским правительством в небольшие региональные музеи в рамках политики «демократизации культуры», инициированной Народным комиссаром Анатолием Луначарским и художником Василием Кандинским. «Картина была передана ростовскому музею по указу управления музеев народного комиссариата просвещения в 1922 году», — говорит Сергей Сазонов, заместитель директора музея-заповедника «Ростовский кремль».

По мнению Андрея Сарабьянова это направление в искусстве совершенно не нравилось консерваторам. Ситуация еще больше ухудшилась, когда с приходом Сталина к власти в 1924 году, это направление стало считаться «буржуазным» и «контрреволюционным». Следы многих работ теряются в 1940-х и 1950-х годах.

По его словам, «полотна Кандинского, Малевича или Шагала могли быть выброшены на помойку или использованы в качестве дров в те темные годы». Другие могли быть украдены. Когда СССР был открыт для иностранных туристов в 1960-х годах «контрабанда художественных ценностей стала широко распространенной». И, по словам Андрея Сарабьянова, это явление приняло тревожные масштабы во время перестройки и после распада СССР в 1991 году.

История осложняется еще и тем фактом, что полотно под названием «Самовар», приписываемое Малевичу в течение многих лет была указана в каталоге музея-заповедника «Ростовский кремль». Есть даже фото картины, опубликованное информационными агентствами. Не обязательно быть экспертом, чтобы увидеть сходство между американской картиной и той, что находится в России. Не нужно обладать острым зрением, чтобы заметить, что это разные холсты. И если один из них является копией другого, то он имеет низкое качество.Почти двадцать лет назад в России была проведена экспертиза. «В 1990-1991 годах, в рамках подготовки серии выставок за рубежом, научный исследователь Российского института культурных исследований в Москве Светлана Джафарова сделала вывод, что картина, входящая в каталог музея, как работа Малевича, является подделкой и датируется ее второй половиной двадцатого века. «Экспертиза картины, совместно проведенная Русским музеем Санкт-Петербурга, Институтом геологии и геохронологии докембрия РАН и Государственным институтом наследия Москвы, подтвердила в 2017 году гипотезу Светланы Джафаровой», — говорит Сергей Сазонов. По словам заместителя директора ростовского музея, присутствие подделки в коллекции означает, что речь идет о краже. По его словам, «подлинник был украден и заменен копией в 1960-х годах, при соучастии некоторых сотрудников музея».
Такая вот сложилась ситуация на открытии выставки в Центре Помпиду. С одной стороны, «Самовар» MoMA с вопросами о его происхождении, с другой — Ростов с серьезными сомнениями. Тем не менее, никто из российских собеседников «Фигаро» не смог объяснить, почему история, известная российскому музейному сообществу в течение нескольких лет, всплыла только сегодня.

По словам советника министра культуры России Кирилла Рыбака, правительство хорошо знакомо с ситуацией. Он также утверждает, что «МоМА и Центр Помпиду не должны игнорировать этот вопрос». В феврале 1996 года американский журнал «Арт Ньюз» (Art News) упомянул исследования, проведенные в России Светланой Джафаровой в статье под названием «Фейк». В статье, написанной историком искусств Константином Акиньшей, речь идет о предательстве русского авангарда. Сергей Сазонов утверждает, что нью-йоркский музей никогда не связывался с ростовским музеем по поводу «Самовара», что, по его мнению, является «нарушением Кодекса этики Международного совета музеев».

Пока никаких официальных действий со стороны России против музеев в Париже и Нью-Йорке предпринято не было. «В настоящее время министерство и Кремль изучают все детали дела», — заявили в Министерстве культуры. Министерство подало «жалобу Генеральному прокурору России», — говорит Сергей Сазонов.

Париж ведет себя очень осторожно. «Русские никогда не отправляли в Центр Помпиду никаких уведомлений о «Самоваре», — говорят в Национальном музее современного искусства. «Куратор выставки была не в курсе истории происхождения этой работы», — уверяют в Центре Помпиду. В подписи к картине не указано, что ранее она входила в собрание Ростовского музея, хотя эта информация есть в каталоге MoMA.

В Лондоне представители Сотбис хранят гробовое молчание. У аукционного дома, вероятно, есть важная информация, так как именно в его списках картина впервые появилась на западном рынке. Американский музей также отказался от комментариев.(С)

Компания из Великобритании, принадлежащая Стиву Лазаридесу, бывшему менеджеру художника и владельцу большинства выставленных работ, оспорила легальность выставки в Stokar. Адвокат Stokar Станислас Эскинази в интервью порталу 7SUR7 заявил, что галерея не несет ответственности за случившееся. «Это похоже на мошенничество, жертвой которого стал мой клиент», — заявил Эскинази.

«После жалобы из Великобритании мы проверили документы, которые нам предоставила немецкая компания, и обнаружили, что ее капитал составляет 25 тысяч евро, а документ, который они предъявили нам как страховку на работы Бэнкси оказался свидетельством о ее окончании, написанный на иностранном языке», — продолжил он.При этом по условиям контракта галерея Stokar получала только десять процентов выручки за то, что предоставляла помещение. Доля немецкой компании составляла 90 процентов соответственно.

Галерея Stokar продолжает работать, закрылась только экспозиция Бэнкси.

На сайте художника опубликован список городов, где проходят его выставки, не согласованные с ним. В список уже вошли Москва, Брюссель, Амстердам, Торонто и ряд других городов.

Ранее Бэнкси опубликовал на своей странице в Instagram скриншот переписки со знакомым, в которой выразил возмущение проведением в Москве неавторизованной выставки его работ и платным входом на нее. «Ты понимаешь, что я не имел к этому никакого отношения, да? Я не беру деньги за возможность увидеть мои работы — по крайней мере, если к ним не прилагается поездка на колесе обозрения», — написал он приятелю.

Персональная выставка Бэнкси в Центральном доме художника длилась со 2 июня до 2 сентября 2018 года. На ее официальном сайте утверждалось, что в экспозицию входили оригинальные работы, 3D-объекты, редкие принты и фотографии работ художника.(С)

«Искусство обоих художников в таком объеме не было представлено ни разу. Работы из мексиканских собраний, частных и наших российских собраний. Например, большая четырехметровая работа, которая в России не была представлена ни разу», - рассказал руководитель Департамента культуры города Москвы Александр Кибовский.

Речь идет о «Славной Победе» - монументальном полотне Диего Риверы. Эту работу живописец подарил Союзу художников СССР. В течение нескольких десятилетий картина считалась утерянной, была найдена в запасниках Музея имени Пушкина лишь в 2000 году. По счастливой случайности «Славная победа» не попала на выставку работ мексиканских художников в Польше в 55 году. Именно после этой экспозиции исчезла одна из самых значимых картин Фриды Кало «Раненый стол».

«На выставке она отсутствует. Мы показываем ее в виде фотографии. С тех пор, как работа прибыла в Советский союз в 1947 году, она нигде не была показана. До того момента, пока она не поехала на выставку в Польшу. Там то мы ее и потеряли. До сих пор ищут эту картину», - отметила куратор выставки Катарина Лопаткина.

Если знаменитую «Амазонку мексиканского авангарда» уже можно было увидеть в Петербурге, в Музее Фаберже выставку в 2016 году посетили четверть миллиона человек, то с творчеством ее мужа Диего Риверы в России не так хорошо знакомы.
В этом есть некая ирония: до 1990-х годов художницу по всему миру знали в основном в качестве супруги знаменитого муралиста. В экспозиции «Viva la vida» можно проследить все этапы творчества и Фриды, и Диего. Выставка – диалог, история любви и соперничества в искусстве.

«Если Фрида Кало – это интроверт, то Диего – это экстраверт. На выставке вы увидите двух разных по внутреннему ощущению художников. Они интересны, именно когда их вместе показывают, гораздо интереснее, чем если бы вы пошли отдельно на выставку Кало, и отдельно на выставку Диего», - поделился председатель правления Культурно-исторического фонда «Связь времен», директор музея Фаберже Владимир Воронченко.

«Viva la vida» - масштабное исследование. Посетителей ждут лекции, кинопоказы, театральные постановки, концерты и даже мексиканская кухня. Выставка продлится в Москве до 12 марта, после чего отправится в Санкт-Петербург.©

Сразу три камерные персональные выставки в одной. Сапунов, Сомов, Судейкин - те, кто своей судьбой и своим творчеством почти исчерпали главный образ Серебряного века - Арлекина. Он был метафорой, воплотившей дух времени, с едва различимой гранью между самим Арлекином и Пьеро. Как эти два портрета, написанные с одного и того же человека - художника Николая Сапунова. Но он и в жизни был фигурой загадочной - суеверный отшельник, живущий предельно скромно. А вот его друг и коллега Сергей Судейкин импровизировал каждый день, создавая театр жизни. Оттого во всех произведениях отдавал себе роль Арлекина.

«Образ Арлекина - это не художественный образ. Это скорее образ жизни. Перипетии комедии дель арте и сам стиль комедии дель арте как бы проецируется в жизнь и становятся моделью жизнеустроительной, творческой моделью», - рассказала куратор выставки Ирина Шуманова.

Эту афишу американских гастролей Судейкин как будто срисовал с собственной жизни, разрывая бумажный занавес, выезжает тройка со злым и добрым гениями, из которых добрый - Никита Балиев, доставивший Судейкина в Америку, а злой - Игорь Стравинский, который только что увел у художника жену. Вот она на портрете.

«Он писал его, судя по всему, после. У нее еще было такое прозвище оригинальное. Ее звали Бяка. Тем не менее, у них сохранились отношения. Видите, он сделал очень внимательно, в такой неоклассической манере. Конечно, он любуется этой женщиной, ее красотой», - рассказал заместитель генерального директора Государственной Третьяковской галереи по научной работе Татьяна Карпова.

И все-таки главная роль на этой выставке отведена Константину Сомову, у которого Арлекин аристократичен и галантен, как подобает истинному французу. Его карнавальные сцены - как способ уйти от действительности. Здесь около 150 работ: и графика. и пейзажи, и портреты... даже фрагменты портретов.

«Сомов тщательно работал над каждой деталью лица, над каждой черточкой лица. Иногда он по несколько дней мог работать над завитком, или подбородком, или ухом, или частью лба. У нас только губы мадам Гиршвин, нижняя часть ее лица», - рассказал куратор выставки Ирина Шуманова.

Почти все работы Сомова в Третьяковскую галерею поступили из московских коллекций начала XX века - полотна были отобраны современниками художника. А порой и им самим. Более полного и эффектного собрания работ Константина Сомова не найти ни в одном музее.

«Эти картины интересно разглядывать, их интересно обсуждать, там есть сюжет, там подмечены какие-то очень яркие выразительные детали...Эта выставка, я думаю, - один из шагов на пути действительно к серьезному знакомству Японии с отечественным изобразительным искусством», - рассказала генеральный директор Третьяковской галереи Зельфира Трегулова.

Сцены природы чередуются с галерей портретов - великие люди на великих полотнах: репинские Крамской и Рубинштейн, или Шаляпин кисти Коровина. А за ними целая серия картин женских образов - от реальных до сказочных, как эта «Снегурочка» Виктора Васнецова.

«Действительно, эта картина выбрана для японских зрителей для того, чтобы рассказать, расширить их знания и потому, что в ней соединяется музыкальный, словесный, поэтический, живописный образ воедино», - объяснила Галина Чурак, куратор выставки картин Третьяковской галереи в Токио.

Выставка Третьяковки дает японцам возможность узнать Россию в романтическом свете. Образы, больше знакомые местной публике по произведениям русской классической литературы, здесь представлены во всей своей выразительности. Взгляд «Неизвестной» Крамского, которую в Японии называют русской Джокондой, мало кого может оставить равнодушным. Не зря, наверное, в японском переводе название этой картины звучит, как «Незабываемая».

Скульптурная мастерская Колесниковых на Сретенском бульваре - давно семейная. Владимир Колесников - сын скульптора Юрия Колесникова. Сегодня работает в собственной манере, использует листы алюминия, мрамор.

Начинал как помощник отца, вместе работали над 9-метровым образом Ленина в Новомосковске, другой гигант стоит в центре Северска. Вместе создавали монумент Подвигу молодых революционерок в Иваново.

«Одно ухо, не помню левое или правое, это чисто моя работа. Оно было с меня ростом. Можно было в нем жить», - рассказал скульптор, член-корреспондент Российской академии художеств Владимир Колесников.

В столичной мастерской сохранились модели работ Колесникова-старшего. Для души творил фигуры в танце. Из рук Колесникова вышла миниатюрная копия Майи Плисецкой - прима-балерина приходила в мастерскую, и позировала прямо здесь, рядом с роялем. За годы творчества скульптор создал 15 монументальных работ.

«Я в общем-то увидел, что любой размер для него абсолютно подвластен. Поразительная вещь: есть человеческий размер, который мы ощущаем, для нас это естественно. А размер, превышающий человеческую натуру, имея в виду ее геометрические размеры, это порой неподвластно, но тем не менее, великолепно совершенно было, не только взгляд, но и умение с этим работать», - добавил Колесников.

В 54-м Колесников-старший создал композицию, которая украсила литовский павильон ВДНХ. «Рабочий и колхозница» простояли на крыше до начала 60-х. Затем павильон переименовали и статуи демонтировали, как и голову быка, серп и молот. Чтобы точно воссоздать работы, современные архитекторы, скульпторы обратились к Владимиру Колесникову - он ровесник скульптуры отца. Однако в семейных архивах эскизы не сохранились.

«У нас идет воссоздание скульптуры, и задача скопировать, все как было. Работаем в основном пятном. То есть видим пятно здесь - мы его здесь создаем, видим здесь глубокие пятна - соответственно вынос плоскости большой», - отметил скульптор Александр Ноздрин.

Историческую правду скульптор Александр Ноздрин искал на фотографиях из архивов, они сделаны издалека, детали разглядеть сложно. Чтобы воссоздать в композиции дух времени, выпускник суриковского института, ученик Рукавишникова изучил работы Юрия Колесникова в его мастерской. Прочувствовал технику и эстетику той эпохи.

Учтены пластика, национальные костюмы, и главное - лица, отличающиеся от современных. По архивным материалам определены основные размеры композиции – высота - 3,5 метра, длина - 6. Добавлены детали.

«Рабочий и колхозница» за месяцы работы сильно преобразились, к примеру, у платья появился контрастный орнамент, а безымянные растения у основания скульптуры, благодаря архивным фотографиям превратились в снопы масличного льна.

Судя по композиции, 1954 год был невероятно урожайным. Фрукты и овощи - литовским героям по колено. Каждую деталь натюрморта зритель должен рассмотреть издалека. Это декоративные традиции середины XX века.

«Эта эмблематика разрабатывалась, как и общая для всего ВДНХ, так и для каждой республики своя. Очень любили использовать преувеличенные в объемах корнеплоды, сахарную свеклу», - поделился архитектор-реставратор Владимир Яковлев.

«До конца 2018 года по главному фасаду скульптурно-декоративному убранству павильона реставрационные работы будут завершены», - рассказал руководитель департамента культурного наследия г. Москвы Алексей Емельянов.

Корнеплоды из усовершенствованного морозоустойчивого бетона теперь будут украшать павильон, который вновь переименовали. Теперь это «Абхазия».

«Настоящий, гостеприимный, теплый, добрый дом Абхазии в Москве, который важен не только для диаспоры, многих тысяч абхазов, также важно для жителей Москвы, для гостей столицы», - отметил торговый представитель Республики Абхазия в России Олег Барциц.

Павильон станет международным выставочным и культурным центром Абхазии. В нем можно будет познакомиться с историей и культурой республики, отведать блюда местной кухни. Гостей ждут уже этим летом. Абхазии павильон передан на 50 лет.©

Одна из наиболее важных деталей – это выбор пространства для выставки. Крыло Карла Великого – это галерея, которая имеет подъём и приводит непосредственно к собору Святого Петра, а в первой части названия выставки пара слов – «Русский путь», вышло так, что это путь к храму. И ещё одна деталь – возможным было размещение выставки в Апостольском дворце, но тогда не было б возможным бесплатное её посещение.

Эта выставка – на самом видном месте в Ватикане – прямо на площади Сан-Пьетро, в крыле, которое соединяет базилику Святого Петра с левым полукружием легендарной колоннады. В этом путешествии из России в Италию шедевры Третьяковки оберегали со всех сторон. Получив работы в Ватикане, итальянские специалисты скрупулёзно проверяют, вглядываются в детали. Для экспонирования древних икон инженеры придумали специальные термовитрины.

В пространстве узкой колоннады Бернини работы заговорили друг с другом – XV век вступил в диалог с XIX. Допетровское миропонимание с новым, ориентированным на европейское сознание. Там, где всегда был конфликт, теперь видится связь. Икона супрематизма Малевича – рядом с древнерусскими иконами, «Купание красного коня» Петрова-Водкина – по соседству со Святым Георгием. На русскую живопись XIX и XX века в этих залах взглянули по-новому.

«Она становится более значительной, серьезной. Специалисты, которые занимаются этим искусством, они всегда понимали, что это искусство посвящено главным вопросам человеческого бытия. А здесь, в этой выставке, эти вопросы звучат очень активно», - рассказала куратор, заведующая отделом живописи второй половины XIX – начала XX века Татьяна Юденкова.

«Эта выставка демонстрирует и дает мощный имульс о духовной глубине православия. Это очень важно, и мы привезли сюда произведения наших соотечественников, которые по силе духовного воздействия равнозначны итальянкой выставке», - отметил Чрезвычайный и Полномочный посол России в Ватикане Александр Авдеев.

На что-то по-новому взглянули даже сами кураторы? На похожий наклон головы у Мадонны и вдовы на скандальной картине Ярошенко «Всюду жизнь». Выглянул кусочек надвратной иконы в «Тройке» Перова и в «Крестном ходу» Репина. «Когда направили прожекторы, вдруг брызнул лучик света, а ведь столько лет в учебниках мы читали рассказы про опустошение и безнадежность», - поделилась генеральный директор Третьяковской галереи Зельфира Трегулова.

«Впервые только здесь я увидела, как от этого оклада иконы отходит совершенно немыслимый божественный свет. И это тот самый лучик света, ради котрого стоит предпринять все», - добавила она.

Выставка «Русский путь. От Дионисия до Малевича» в Ватикане – бесплатная, об этом два музея договорились заранее. Прямо перед Рождеством, когда хлынет поток туристов, большинство, возможно, будет искать знаменитый русский авангард, которого здесь не так уж и много, и возможно откроет для себя новое в русском искусстве. Эти же шедевры будут разглядывать и паломники, чей взгляд, скорее всего, сфокусируется на иконах.

«Это будет успех. Выставка накануне Рождества, выставка о духовности, причем не только русской. Да, это русское искусство, но духовность универсальна», - заметила директор Музеев Ватикана Барбара Ятта.

Среди портретов – Достоевский, написанный Перовым. Он находится совсем рядом с единственной пермской скульптурой «Христос в темнице» – в самом центре выставки. Эту экспозицию кураторы вряд ли будут повторять в России – в Третьяковке планируют выпустить каталог Ватиканской выставки. Новый взгляд на русскую живопись, который появился здесь, в Италии, возможно, станет первым шагом к переосмыслению живописной культуры таких разных эпох, между которыми теперь ярче видна общая нить духовности.